Empieza a hacer ya bastante calor en esta parte del continente, comienzan a ceder ciertas actividades y con el verano y las vacaciones se preparan las fiestas navideñas.

Hay más tiempo y ganas para seguir comunicados con ustedes. Gracias a los casi 17.000 hits que tiene el blog, gracias a los que han entrado aunque sea por error.

Más cine, más música, más anime y más personajes a partir de esta semana que comienza mañana, no se lo pierdan!

Los espero!

beatou

Satoshi Kon

Lamentablemente una nueva entrada a este blog no tiene otro sentido sino comunicar una muy mala noticia; y aunque mala noticia al fin, no podíamos dejar de señalar este hecho por la trascendencia del mismo y por la importancia del personaje que invloucra. La noticia, naturalmente ya ha recorrido innumerables portales especializados en todos los idiomas posibles, ha recorrido el mundo, pero queremos darle su espacio en este blog.

Hace solo un par de semanas atrás, el 24 de agosto del 2010, a los 46 años de edad dejaba de existir uno de los más grandes directores de cine, especialmente de animación, japoneses; Satoshi Kon. Creador de películas que instantánemente se convirtieron en obras de culto y a cada una de las cuales supo imprimirles su sello personal, la mezcla de los mundos oníricos con los reales, personajes de una intrincada psicología y tramas de lo más originales y sorprendentes eran los condimentos a los que nos tenía, debo decir, mal acostumbrados. Cuando ibas a ver una obra de Kon ya sabías que ibas a encontrarte con un producto de una calidad inigualable.

Fue uno de los grandes y no por lo prolífico de su carrera, que fue más bien corta, sino por la intensidad y calidad de su obra, algo dificil de igualar.

Entre sus trabajos recordamos Perfect Blue, Millenium Actress, Tokyo Godfathers, Paprika. Ha hecho un solo anime, uno de los más extraños, Paranoia Agent. Todos producidos por Madhouse.

Al momento de su muerte hacía 6 meses que se había retirado de su último proyecto. Trabajaba en una película llamada Yume-Miru Kikai (La máquina de los sueños) y que apuntaba a un público más infantil y donde toman parte pequeños robots que hicieron su aparición ya en la película Paprika.

Satoshi Kon ha dejado sus últimas palabras en su web KON’S TONE y han sido publicadas el día posterior a su muerte.

“18 de Mayo de este año, un día inolvidable. Mi esposa y yo recibimos la siguiente prognosis de un cardiólogo en el Musashino Red Cross Hospital: ‘el cancer pancreático es terminal y ha metastizado en el hueso. Tiene, como mucho, medio año de vida’”

Más tarde se entrevistó con el fundador de Madhouse Studio masao Maruyama sobre el final de la película de anime que él estaba dirigiendo:

“Cuando le comenté mis procupaciones acerca de Yume-Miru Kikai al Sr. Maruyama él dijo ‘Está bien, no te preocupes, haremos todo lo que sea necesario’ y lloré, lloré mucho.”

Concluye su mensaje con lo siguiente:

“Con sentimeintos de gratitud por todo lo que es bueno en este mundo, dejo mi lápiz. Bueno, ahora debo irme. Satoshi Kon.”

Su grupo de trabajo en Madhouse continuó con su película inconclusa; se hará un lanzamiento póstumo. Sus restos fueron despedidos en una ceremonia íntima familiar.

Hasta pronto, Satoshi.

El Lado B no es popular

Por alguna extraña razón tenía en mente que cumplíamos nuestro primer año el día 28 de marzo. Lo cierto es que ya lo cumplimos el pasado 18 de marzo, día que anunciábamos el fallecimiento del querido nujabes.

Quiero agradecer a todas y cada una de las personas que alguna vez ingresaron a este humilde blog. Gracias a todos, tanto los que participaron como los que solo hayan estado de paso, todos colaboraron a que el blog pueda crecer aunque sea un poquito a lo largo de este primer año.

No nos queda más que seguir invitándolos a que se pasen, nos visiten de vez en cuando y, por supuesto, sus ideas, sugerencias, críticas, etc. siempre serán bienvenidas. Por mi parte seguiré escribiendo (espero que más seguido) algo interesante para leer.

Un gran saludo fraternal para todos, los espero!

beatou

COWBOY BEBOP

Hace poco tiempo atrás terminaba de ver, nuevamente, una de las series más impactantes que tuve la suerte de conocer.

 No son muchas las veces que vi un anime más de una vez, es más, creo que este es la primera vez que veo completamente una repetición.

Claro que hay una razón para esto y es la cantidad de elementos que Cowboy Bebop contiene que quería revivir, como una muy buena trama, una gran calidad de imagen y sonido, excelente diseño de mechas, fondos y personajes muy interesantes, 26 episodios con una gran riqueza de géneros y señas y por supuesto, de la mano de Yoko Kanno, música realmente impresionante; pero empecemos por el principio.

Cowboy Bebop es una serie de 26 episodios realizada por un grupo muy talentoso reunido por Sunrise. Una división de este grupo fundaría más tarde Manglobe.

Como figuras salientes de ese grupo estaban Sinichiro Watanabe como director y Masahiko Minami como productor y principales creadores. Ellos habían pensado hacer una serie que se saliera de los cánones en los que habían trabajado ya largamente como era el tópico de las series de mechas. Fue asi como Cowboy Bebop se pensó primero como una historia de nuestro tiempo, más humana, cotidiana y contemporánea. La dificultad se presentaba en que la calidad de la serie que Watanabe quería mostrar (y finalmente mostró) era cinematográfica lo que hacía necesaria una buena cantidad de recur$o$. Fue entonces cuando la gigante juguetera Bandai aportó lo necesario para la realización de la obra pero para que ésta pudiera comercializar model kits de mechas o personajes se trasladó la historia a un futuro no tan lejano.

COWBOY BEBOP

Los inicios de Cowboy Bebop no fueron fáciles. Debutó en tv abierta a través de TV Tokyo un ya lejano abril de 1998, pero por circunstanciales susceptibilidades de ese momento solo se transmitieron 12 episodios discontinuos y brutalmente censurados dado que parte de la gracia de esta serie es una buena dosis de malas palabras, sangre, armas y peleas, más allá del tinte cómico de gran parte de la totalidad de los episodios. El 13er episodio de esa transmisión constaba de imágenes de los episodios anteriores a modo de resumen, música y participación de los personajes pero con un final que rezaba “Este no es el final. Ustedes verán el verdadero Cowboy Bebop algún día”. Finalmente ese día llegó cuando el 23 de octubre de 1998, y a través del canal satelital WOWOW, se transmitía Cowboy Bebop de manera íntegra y sin censuras.

Los personajes principales de la serie son Spike Spiegel (ex mafioso) y Jet Black (ex policía) asociados como caza-recompensas. Luego, en orden de aparición, están Ein (desde el capítulo 2), un perro de laboratorio, súper inteligente, Faye Valentine (desde el capítulo 3), una altanera mujer, jugadora y experta en el arte de la estafa y Ed (Edward Wong Hau Pepelu Tivrusky IV, desde el capítulo 9) el cual es un personaje muy contrastante dado que a pesar de su nombre masculino es una niña de unos 11 o 12 años y a pesar de su edad es una experta hacker. Todos terminan trabajando juntos eventualmente como caza-recompensas a bordo del Bebop, la nave de Jet. Corre el año 2070 y, a través de la invención de las puertas hyperespaciales, la humanidad ha logrado alcanzar vastas regiones del espacio exterior colonizando distintos planetas y satélites. En este aspecto la trama se mueve principalmente entre la Tierra, desvastada por un accidente y llena de basura espacial, Marte, donde Spike nació, Venus y varias lunas de Júpiter como Europa y Ganímedes. Esta expansión de la humanidad hizo que también se expandiera el crimen sobrepasando la capacidad policíaca haciendo que se vuelva a instaurar el sistema de recompensas. Así, durante una trama de tipo episódica se irán mostrando los distintos objetivos a los cuales los integrantes del Bebop se irán lanzando con suerte casi nula y muchas veces cómica puesto que nunca ganan suficiente dinero como para no tener que ir tras el siguiente criminal. Sin embargo en la mayoría de los episodios se hace alguna seña al enigmático pasado de cada personaje y el inevitable enfrentamiento con el mismo, o en palabras de sus creadores, el enfrentamiento de cada uno con su karma. A medida que la serie avanza dicha conexión personaje-pasado es cada vez más fuerte hasta su eventual resolución.

Así tenemos a Jet, una traición y su renuncia al ISSP. Faye y su pérdida de memoria y consecuente búsqueda de su origen, Ed y su distanciamiento de su padre y el caso más enigmático, Spike y su enfrentamiento con la mafia Dragón Rojo, Vicius, ex amigo, Julia, un antiguo amor con quienes existe un enredado triángulo y su siempre presente “yo ya he muerto una vez…” al abandonar la organización.

De izquierda a derecha: Spike, Jet, Faye, Ed, Vicius, Julia

Todos estos escenarios fueron diseñados hasta el más mínimo y cuidadoso detalle teniendo cada uno sus particularidades donde algunos se presentan como grandes metrópolis y otros como lugares sombríos y abandonados como en los capítulos Júpiter Jazz 1 y 2 con travestis e indigentes en las calles de un nevado y sucio lugar donde detalles como la corrosión de las chapas, las botellas y charcos de los callejones y la basura de la calle, la lluvia, es algo totalmente visible e identificable. Lo mismo sucede con el magistral ending de la serie donde este detallismo es casi llevado al extremo.

En general la sugestiva estética de la serie tiene un tinte retrofuturista, apreciable en el diseño de mechas de Yamane Kimitoshi (Escaflowne), en el diseño de los escenarios y fondos, armas, etc. Esto ya queda claro con el gran opening que tiene Cowboy Bebop con música precisamente Bebop, una forma de Jazz y con una estética que parece sacada de una serie de las tantas policiales de los 70s y que por lo general tenían a San Francisco como punto común, luego Los Angeles o Nueva York. 

La Swordfish, nave de Spike equipada con su característico cañón de plasma

Si tenemos que hablar de influencias percibimos a Lupin III como la principal a nivel personajes y cierta relación comicidad-personalidad-trabajo de dichos personajes, pero además innumerables referencias a distintos tipos de cine de culto americano o europeo de varias décadas pasadas, estilos como cine noir con ambientes lúgubres y cargados y con la humedad de la lluvia como componente exaltador de dichas características, cine afroamericano y asiático (Bruce Lee), señas a cineastas como Kubric, señas históricas y por sobre todo influencias musicales con muchos capítulos que llevan por nombre el de una canción o están basados en ella. Aparecen varias veces nombres de canciones de los Rolling Stones y se tiene presente muchísimas veces a leyendas del jazz como fueron Charlie Parker o el genio inigualable de Miles Davis.

Hablando de música, el IMPRESIONANTE soundtrack de esta serie fue realizado por Yoko Kanno y la ayuda de los Seatbelts, una banda formada por ella especialmente para esta ocasión y que contó por momentos con nada menos que 24 integrantes.

OST1 Cowboy Bebop, OST2 No Disc y el OST de la plícula, Future Blues

La música, compilada en varios álbumes y reediciones, se pasea principalmente entre el jazz, el blues y la música fusión; y decimos principalmente porque sabemos que esta artista no se encasilla y siempre tiene algo más para dar que rompe con cualquier molde. Encontramos relajados y melancólicos sonidos de blues y jazz pero también jazz del más ácido y frenético convirtiéndose en un elemento clave de la serie al punto de que varios capítulos se hicieron con posterioridad a la música adaptando escenas y demás elementos a la música ya compuesta. En este sentido, el musical, como no enamorarse de la ronca y sugestiva voz de Mai Yamane, vocalista del ending de la serie “The Real Folk Blues”.

La atmósfera con que la música contribuye es fundamental para con la trama, y el sabor que uno como espectador puede ir encontrando es en realidad más triste y melancólico. Pasada la excitación de las persecuciones y encaminándose hacia el final, cuando los personajes deben comenzar a resolver su pasado, la sensación es la de un melancólico jazz de saxo y piano como abundan en el OST y como inevitablemente nos depara el final. Enormes joyas como Elm, Adieu, Road to the West, Call me Call me, Farewell Blues, Memories, Julia, Words That We Couldn’t Say o The Real Folk blues entre muchísimas otras adornan capítulos como Ballad of fallen Angels (5), Ganymede Elegy (10), Júpiter Jazz (12 y 13) y los 2 finales The Real Folk Blues, entre varios otros, con el mismo tinte melancólico y que revela cierto aspecto del pasado de alguno de los personajes. Capítulos inolvidables.

Y así se acaba Cowboy Bebop al cabo de cortos 26 episodios, dejándome la misma sensación de satisfacción pero de inconciliable vacío, algo que podría describirse como una sonrisa triste aunque suene incompatible. Sin duda, una de las mayores obras de la historia.

Ssmokin' in the rain

Bonus: se estrenó la película Knocking On Heaven’s Door en el 2001 presentándose como un caso de captura de recompensa más solo que llevando todos los buenos atributos de Cowboy Bebop, animación, calidad gráfica, acción, animación, música, etc. al extremo. Es básicamente un capítulo de 2 hs.

Se hicieron 2 mangas, sin éxito, de la serie teniendo a Hajime Yatate en ambas como guionista, pero, a pesar de lo rescatable de dichos guiones, la parte gráfica fue muy mediocre. Además se editaron dos novelas Cowboy Bebop: Wild Man Blues y Cowboy Bebop: Code Memory con Ein y con Ed como protagonistas respectivamente y con dispar repercusión.

Se hará la película con Keanu Reeves?

SEE YOU SPACE COWBOY

Cover del álbum CARNIVAL

El pasado 19 de agosto, la excelente banda Tsubakiya Shijuusou o Tsubakiya Quartette, como prefieran, editó un nuevo trabajo llamado CARNIVAL. Se incluyo una versión LIMITED que incluía CD + DVD, consechando muy buenas críticas. Aquí una review de este trabajo.

Tsubakiya Quartette abre su ‘CARNIVAL’ con ”Bessekai” (Otro mundo), un tema que como todos los de esta banda es enérgico y a la vez armonioso, y donde hace gala de su afamado estilo fusión y donde nos recuerda porque su muy buen álbum anterior “TOKYO CITY RHAPSODY” fue tan reconocido dándonos a entender que su calidad sigue intacta.

02. Taiyou no yakeato, segundo corte del álbum es un tema intenso, cambiante pero que deja prendido al oyente, sorprende, cambia, dinamiza el sonido, tiene un furioso punteo de guitarra seguido de un corte rítmico que es una satisfacción para los oídos, excelente tema, variado.

03. CRAZY ABOUT YOU es un tema de poco más de 4 minutos de estilo Jazzeado y festivo que personalmente creo que no aporta mucho al disco. A mi parecer es el más comercial del álbum.

04. Speed es el cuarto corte donde particularmente encuentro que la voz de Nakada es el componente rítmico que complementa el buen funcionamiento de la banda, este tema sería totalmente diferente sin la voz de Nakada, tiene buen ritmo y creo que sonaría muy bien con guitarras distorsionadas, quizás eso sería algo osado para el momento musical actual de TS (no así en su época indie) pero es un buen tema, ‘rockeado’ y variado, podría ser un poco más intenso. Tiene Mezclas de samplers q no quitan la esencia rockera del tema.

05. Sora ni odoreba es un tema con tendencia pop, suave, descontracturado, estamos promediando el álbum y entramos en una fase más descansada supongo, de todas formas es un buen tema por mas que no cambie el mundo.

el 6to tema ‘Theatrical’ recuerda a TOKYO CITY RHAPSODY, Levanta un poco el ritmo que traía el tema anterior, buenos arreglos de piano, típico tema de TS, cambiante, mezcla rock y soul. Termina con la voz de nakada al palo, entregando todo.

07. LOVE CREATURES Mantiene la intensidad que el álbum venía insinuando, buena presencia de guitarras, punteo incluido, tiene un estilo de tendencia más roll pero muy actualizado, demuestra la capacidad de fusión que esta banda tiene con los diferentes cortes y variaciones rítmicas.

08. Finale, siguiente tema, en esencia mantiene el espíritu del tema precedente aunque es rítmicamente más rápido. Por supuesto que abundan las variantes rítmicas, los cortes y ese espíritu ensamble que esta banda lleva por insignia. Al escuchar este tema uno se da cuenta de que está vigente más que nunca el mote de hard rock sinfónico. Tenemos buena presencia de Guitarras aquí también.

Siguiendo con 09. Boku ni totte no kimi tenemos un tema acústico y tranquilo que vuelve a bajar las pulsaciones pero que de revolucionario no tiene mucho y tampoco marca ninguna diferencia para el conjunto del álbum.

El 10mo corte, Cinderella tiene un inicio acústico y un arreglo importante de piano al punto de que es el instrumento que sobresale por sobre el resto de los arreglos instrumentales de dicho tema.

Como decíamos, el piano marca el alma de este tema, muy buen tema por cierto, con guitarras acústicas que tb son importantes en el sonido y composición de este buen tema, con elementos de Groove.

11 SAD GIRL SO BAD es un tema que vuelve a insinuar intensidad en el comienzo pero termina siendo un tema más del álbum, no por eso es malo pero no marca diferencias con el resto, como decimos no es malo pero tampoco es el mejor. Aun asi mantiene todos los condimentos que hacen de tsubakiya shijuusou una banda innovadora, fusión y muy creativa en un medio bastante difícil.

El siguiente tema, 12. Umbrella es el que conformó el único single que precedió a la salida de este álbum, hay una marcada participación de piano pero el arreglo que más impone su presencia es el de cuerdas con violines principalmente. Un arreglo orquestal que conforma el background del tema y al momento de la salida marcaba una posible tendencia de carnaval, algo que no se terminó por confirmar, por suerte, si se me permite, un álbum plagado de violines hubiera sido demasiado para mi gusto, hubiera sido insoportable.

El álbum cierra con Yoru no yukue, una relajada y confortable balada, muy expresiva en la voz de nakada acompañado solo por piano, una buena forma de cerrar un buen álbum.

Opiniones generales:

Se escucha de todo en este disco, desde rock and roll de Love Creatures, lo acústico de yoru no yukue, y lo rock de finale y la intacta Voz soul de Nakada, tan versátil como siempre. 

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Last Exile

Qué esconde el Exile?

Last Exile es una serie de anime de 26 episodios emitidos entre el 8 de abril del 2003 y el 29 de septiembre del mismo año por TV Tokyo. Surge a raíz de que el renombrado Studio Gonzo preparara durante meses una nueva superproducción animada con la inten­ción de celebrar su 10mo aniversario.

Last Exile se desarrolla en un mundo llamado Plestel, y en él existen dos grandes reinos (Anotore el cual es el reino que más se muestra en la serie y Dusith o Dysis que rápidamente está entrando en una nueva era glacial lo que obliga a su población a emigrar masivamente hacia Anatore). Dichos reinos están en guerra desde hace mucho tiempo lo cual, como se comprenderá, complica mucho las cosas.

Diseño de Personajes del gran Range Murata

Pero eso no es todo, sino que existe un tercer grupo llamado Guild o The guild (traducido también como el consejo) pero que se mantiene neutral a dicha guerra aunque se encarga de distribuir armas entre los dos reinos en conflicto con lo que su papel es significativo porque lucra con la guerra y se libera de potenciales enemigos. Esta oscura sociedad es la más avanzada tecnológicamente y socialmente a diferencia de Anatore y Dusith que son tradicionales monarquías donde el recurso más valorado es el agua.

Un detalle no menor en el argumento de esta historia está dado por la gran corriente o grand storm la cual es una región celeste que separa los dos reinos en conflicto y la cual debe ser atravesada para librar las batallas, raras veces las mismas se dan en la zona celeste la cual es raramente abandonada por las grandes naves de el consejo, ya que el este grupo carece de tierra y vive en estos enormes navíos aereos.

En cuanto a los personajes tenemos a Claus Vafea, un chico de 15 años que pilotea su nave Van Ship (que es como un pequeño barco volador que le dejó su padre). El sueño de Claus es lograr lo que sus padres no pudieron, atravesar la tormenta gigante y alcanzar “el sitio más allá de las nubes“, junto a él está Lavie Head, un amigo de su infancia que también tiene su misma edad. Ambos son mensajeros y viven en Norikia (Anatore). Un día, participando en una carrera, estos chicos se cruzan con otro piloto y su aeronave que son perseguidos por una nave del Consejo. El Vanship cae y ellos acuden en su ayuda, completando la misión que tenía el piloto de la nave perseguida, llevar a una niña llamada Alvis, de 11 años hasta un lugar donde sería recogida por la nave Silvania. Cuando llegan al punto indicado, Alvis pasa a estar bajo la protección de Alex Rowe, el capitán de la nave. Claus y Lavi deciden seguir al Silvania donde terminan envueltos en una batalla.

Main Characters

El motivo por el que Alex desea tener bajo su control a Alvis porque ella se supone que es la llave del Exile. Alex por su parte, también busca algo denominado Misterios, que se suponen imprescindibles para despertar a Exile.

Luego de una batalla muy importante donde Anatore ataca naves migratorias provenientes de Dusith se firma un tratado de paz donde ambos reinos en conjunto emprenden acciones para librarse del guild o consejo, y ahí es donde eventualmente se pudre todo. Lo demás, tienen que verlo.

Estéticamente la serie se ambienta en un parecido a la revolución industrial británica de fines del siglo XIX excepto por el transporte, compuesto por naves llamadas vanships que son como pequeños barcos (todas las naves tienen esta naturaleza, como barcos en el aire lo cual le da un tinte muy especial a la estética retro futurista). Estas naves no tienen propulsión convencional, sino que se mueven gracias a una especie de principio mineral llamado “unidades Claudia”.

Vanship

La idea era que Last Exile mostrara un alto nivel técnico, que tuviera un amplio despliegue de efectos digi­tales y diseños por com­putadora, algo que consiguieron. La serie por su parte está llena de de combates aéreos, y hay gran variedad de diseño de mechas a cargo de Mahiro Maeda (Blue Sub) y Makoto Kobayashi (Gravion).

Last Exile es una historia original de Koichi Chigira -el director del proyecto-y para su realización fue reunido parte del staff que participara en Blue Sub (Ao no Rokugo) y Full Metal Panic.

Para ser sincero, había varias imágenes que podía poner, pero prefiero mostrar más del arte del gran Murata ^^'

Fuentes: Revista Lazer, Wikipedia, Otros

La información tomada de las fuentes antes mencionadas solo tiene ánimo de difusión y por ningún motivo se pretende lucrar con la misma. Los derechos están reservados a sus respectivos autores.

Retrato de un grupo de samurais de Satsuma

El samurai fue un producto de las circunstancias históricas de Japón, de una lar­ga evolución social y política que culminó en los siglos XVII y XVIII con la configuración de una verdadera cultura, que ha im­pregnado desde entonces la vida de Japón.

Los orígenes de la clase samurai se remon­tan a los siglos IV y III a.C, cuando aparecie­ron élites armadas en los grupos tribales que, dada la configuración geográfica de Japón, formaban pequeñas entidades sociales. Estos grupos se fueron convirtiendo en grandes cla­nes sometidos a la institución imperial, fre­cuentemente enfrentados entre sí. A los miem­bros de la élite guerrera se los conocía como bushi, término que significaba «servidores» y que se convirtió en sinónimo de «guerreros»; el término «samurai» tenía una connota­ción más cortesana, aunque a menudo ambos se empleaban indistintamente.

El ascenso de los samurais como clase so­cial se inició en el período de Heian y cul­minó con la derrota absoluta del sistema de gobierno aristocrático en la llamada guerra Gempei, a finales del siglo XII, cuando toma­ron el poder. El vencedor de esta guerra, Minamoto Yoritomo, asumió el poder efectivo en el país, dejando a un lado al emperador, y tomó el título de shogun. Cabeza de un clan re­gional, Minamoto estableció la supremacía de la casta de los samurais, que desde entonces y durante cuatro siglos tendrían un gran prota­gonismo, tanto en la defensa del país -por ejemplo, rechazando la invasión mongola del siglo XIII— como en las sucesivas guerras en­tre los diversos señores feudales.

La crónica inestabilidad del Japón feudal llegó a su término con la batalla de Sekigahara (1600), en la que el señor feudal Tokugawa Ieyasu derrotó a los clanes rivales y, des­de su cargo de shogun, asumió para sí y sus su­cesores el poder absoluto en Japón. Inaugu­ró así el llamado período de Edo (1602-1867), por el nombre de la ciudad en la que los Tokugawa establecieron el poder —Edo, llama­da tiempo después Tokyo-, mientras el em­perador permanecía recluido y controlado en la antigua capital de Kyoto.

LA PIRÁMIDE FEUDAL 

En la sociedad japonesa del siglo XVI, los sa­murais formaban una casta familiar al servi­cio de la alta nobleza, los daimyo o señores. Es­tos ejercían su poder mediante una red de vín­culos personales y familiares que constituían una jerarquía típicamente feudal. En la cúspi­de de la pirámide se hallaba el daimyo y su fa­milia directa; debajo se situaban los llamados fudai, o sea, las familias que desde siempre ha­bían estado al servicio de la familia principal. Luego se encontraban los vasallos propiamente di­chos, quienes a menudo eran señores de­rrotados que rendían vasallaje a cambio de conservar sus propiedades. De este modo, el daimyo vencido en una guerra feudal y sus ge­nerales pasaban a formar parte del estado ma­yor del vencedor.

Junto a esta organización política existía otra estrictamente militar, y era en ella en la que los samurais tenían un papel destacado. Habían muchas categorías de sa­murais, hasta 17. De ellos se esperaba que acu­dieran a la llamada del señor a la guerra apor­tando su caballo y sus armas, así como hombres equi­pados, todos dispuestos para entrar en com­bate. Por debajo de ellos, pero todavía dentro de la clase samurai, estaban los sotsu o tropas de infantería, que a su vez se dividían en 32 categorías. Todos ellos, a excepción de los más altos rangos, se dedicaban a cuidar de sus feudos, pero estaban obligados a responder a la llamada a combate cuando se les requiriera y a aportar el equipamiento que estuviera es­tablecido según su rango y riqueza (medida en unidades de arroz, o koku).

Retrato de bushis prestos a combate con sus vestimentas militares

En la base de la pirámide estaban los ashi-garu. Constituían la gran masa de los comba­tientes -hasta la mitad del total- y podían ser arqueros, lan­ceros, portaestandartes, servidores, etc. En tiempo de paz trabajaban como jornaleros del samurai que los tenía a su cargo. En principio no existía un vínculo feudal entre ellos y su señor samurai, pero la continuidad de las familias ashigaru al servicio de determinados samurais acabó creando una relación de dependencia. Esta categoría fue durante largo tiempo la puerta de acceso a la clase samurai, hasta que en 1591 Toyotomi Hideyoshi, regente del emperador, promul­gó el edicto de Separación, que cerró esta vía de promoción social, y que fue el primer paso de la organización social neoconfuciana que se impondría en las décadas posteriores.

GUERREROS EN TIEMPOS DE PAZ

Esta estructura feudal se mantuvo durante el largo período de Edo, aunque poniéndose al servicio de la dinastía que ejercía el poder efectivo, los shogun Tokugawa. El shogun con­taba con la lealtad de los grandes señores que lo habían seguido en la batalla de Sekigahara, quienes por su parte mantenían en sus castillos un importante contingente de tropas y servidores. Gracias a este equilibrio de poder Japón se mantuvo en paz, sin gue­rras internas, durante los siguientes tres siglos, hasta la Restauración Meiji de 1868. To­do ello tuvo consecuencias inmediatas para los samurais. En apariencia, nada había cam­biado, y las formas feudales tradicionales seguían plenamente vigentes, pero los Tokugawa impusieron un sistema social casi ina­movible y basado en la represión, que hacía de los samurais una casta cerrada, protegida de aspirantes a entrar en ella pero también to­talmente sometida al poder.

Sobre todo, la paz que vivió el país en el pe­ríodo de Edo hizo que la naturaleza de los samurais cambiara profundamente. Sin opor­tunidades para ejercer su función guerrera, el único campo que les quedó para el lucimien­to de sus habilidades marciales fue el duelo privado. Miyamoto Musashi, por ejemplo, au­tor de un célebre tratado sobre el samurai (el Libro de los cinco anillos), asegura que entre los 13 y los 30 años libró más de 60 combates.

LOS DESARRAIGADOS

Otros samurais, en cambio, al desaparecer las casas feudales a las que pertenecían, queda­ron sin señor al que servir y se convirtieron en guerreros errantes. Eran los ronin, Algunos de estos elementos desclasados fueron fuente de serios proble­mas de bandolerismo y delincuencia, pero otros se convirtieron también en héroes populares. Una de las historias más características y célebres es la de los «Cuarenta y siete ronin» (ya tratado en este blog).

A lo largo del período de Edo los samurais siguieron cultivando las artes guerreras, co­mo el tiro con arco y la esgrima. Esa práctica se inspiraba en gran medida en el budismo zen, del que tomaban la exigencia de sobrie­dad y la concepción del combate como una lucha psicológica. Su principal signo de iden­tidad era el sable, que encarnaba todas las vir­tudes del guerrero. Poder llevarlo era un pri­vilegio y una marca de clase desde la célebre Katana-gari de 1590, un decreto que despojó a la población civil de ese derecho. El sable era objeto de veneración, pre­sidía el salón principal de la casa y recibía es­merados cuidados. En la infancia, al samurai se le entregaba uno de madera en una cere­monia formal, rito que se repetía en la ado­lescencia, ahora con una espada auténtica. Los samurai eran los únicos que podían llevar dos espadas, llamadas daisho, como distintivo de su estatus exclusivo como guerreros. Estas dos armas, la larga katana y la wakizashi, más corta, se llevaban juntas, aunque normalmente no se utilizaban a la vez como armas, excepto por Miyamoto Musashi que se salía de la norma porque en su estilo “Dos Cielos” se utilizaban las dos espadas al mismo tiempo.

En poder de estos samurais retratados están las principales (pero no las únicas) armas por ellos utilizadas, arco, lanza y daisho (Katana + Wakizashi)

Pero lo que más definió el carácter de los samurais en el período de Edo fue la filoso­fía confuciana. Al niño nacido dentro de una familia samurai se le educaba desde la cuna en el sentido de la autodisciplina y el ejercicio continuo, a la vez que se le proporcio­naba un profundo conocimiento de los tex­tos confucianos. Estos textos transmitían los valores básicos para cada clase social, entre los que el principal era el sentido del deber, entendido como «deuda» hacia el empera­dor, el señor y la familia. El samurai crecía im­buido del principio de «devolución de la deu­da», una obligación moral y ética que a me­nudo se generalizaba bajo el término giri.

EL CÓDIGO DE HONOR 

Junto con el principio del cumplimiento del deber, a los jóvenes samurais se les inculca­ba el desprecio a los bienes materiales, al do­lor y, por encima de todo, a la muerte. Esto último hacía que al samurai se lo compara­ra con la flor del cerezo, tan efímera que es arrancada del árbol al primer soplo de brisa; como ella, el samurai debía estar dispuesto a morir en cualquier momento.

Si el dolor y la muerte eran despreciables, se exaltaba en cambio la virtud por excelen­cia del samurai: la lealtad.

Fue en el siglo XVII cuando cristalizó el có­digo de honor samurai, el bushido, que aunque se venía definiendo desde el siglo VIII no al­canzó su perfección hasta la expansión de los principios neoconfucianos. El bushido se defi­ne como la «vía del guerrero» (de bushi, «gue­rrero», y do, «vía»), y se compone de diver­sos principios: el gi, o la aptitud justa; yu, o la bravura; rei, o el comportamiento justo; moko-ta, la sinceridad total; meylo, el honor y la glo­ria; y el chigi, lealtad. Como tal, el samurai de­bía tener un comportamiento modélico. No siempre fue así, pues no faltaron los samurais violentos y peligrosos y de actitud indigna, pero lo cierto es que toda la sociedad japone­sa se miraba en ellos como en un espejo.

En ello radica la importancia de la figura del samurai, pues, a pesar de los cambios que experimentó a lo largo de la historia, supo crear una ética y unos valores tan inamovi­bles que aún hoy conservan su vigencia.

La armadura de los samurai fue cambiando. Desde el casco a los pies se componía de elementos tan dispares como hierro, cobre, madera, cuero y seda. Las armaduras modernas pasaron a ser corazas, como las usadas en occidente, para protegerse de las armas de fuego.

Basado en el artículo Samuráis: Los Guerreros de Japón de Luis Caeiro (fragmento), Revista HISTORIA de National Geographic.

La información tomada de las fuentes antes mencionadas solo tiene ánimo de difusión y por ningún motivo se pretende lucrar con la misma. Los derechos están reservados a sus respectivos autores.

Cover de 'A beautiful greed'

Entrada en la que estaremos revisando el último trabajo realizado por ACIDMAN hace poco más de 3 meses donde exploramos las alternativas siempre interesantes de una banda creativa, innovadora y talentosa como pocas del ambiente musical japonés, pero antes un poco de historia…

ACIDMAN se formó en 1997 con 4 miembros. Shiibashi Takeshi, Urayama Ichigo, Satou Masatoshi, y Ooki Nobuo se conocieron por primera vez en una academia militar en Saitama. Luego los cuatro continuaron sus estudios en Shimokitazawa, donde formaron la banda. Grabaron dos demos en 1998 pero Shiibashi Takeshi dejó la banda en 1999. Ooki pasó a ser el vocalista y guitarrista principal asumiendo también el rol de líder del grupo. Continuaron haciendo presentaciones en vivo y realizaron otro demo. En esta época Ooki se graduó como farmacéutico.

ACIDMAN debutó con el single Sekitou bajo Nomadic Records. El single escaló hasta la 3ra posición en los indie charts. El grupo continuó su trabajo con el mini-álbum Sankazora en 2002 debutando el el puesto 29 de los indie charts de ORICON.en esta época ACIDMAN salió de gira con otras bandas indies populares del momento como Husking Bee y Bloodthirsty Butchers. Pronto la banda firmó su traspaso a major con Toshiba-EMI.

Luego de un par de singles llega el primer álbum, Sou siendo número 9 en el ranking de ORICON y ganando el premio a banda revelación del año en el The Japan Gold Disc Awards del 2003.

Su siguiente álbum, Loop cambia un poco su sonido original integrando trabajos instrumentales consiguiendo un sonido innovador pero certero marcando la evolución que iban consiguiendo musicalmente.

Este cambio y exploración continúa en equal, 3er álbum que lanza ACIDMAN, el cual es reconocido como un muy buen trabajo de esta banda pero la evolución se hace más marcada en And World donde están en un período más pleno de experimentación cuyo sonido se depura más en Green Chord y la tendencia se confirma en Life, trabajo previo a el álbum que aquí revisamos.

Todos sus álbumes son ampliamente reconocidos por la crítica por su calidad y sus videos tienen una estética muy característica de su sello, también ampliamente venerados.

Ooki Nobuo muchas veces realizó los covers (tapas) de los trabajos que editó ACIDMAN.

ACIDMAN - De izquierda a derecha: Satou Masatoshi (Osaka, 07/04/1977 - Bajo); Ooki Nobuo (Saitama, 03/08/1977 - Vocalista, Guitarra), Urayama Ichigo (Tokorozawa, 27/03/1978 - Batería)

EL ALBUM

ACIDMAN abre su trabajo discográfico ‘A beautiful greed’ con una excelente introducción instrumental, algo a lo que nos tiene acostumbrados: a sus aperturas de esta manera. Encontramos un sonido muy cuidado compuesto principalmente de cuerdas: piano, cellos, violines y que va in-crescendo donde se agrega una poderosa percusión hacia el final para transformarse en la base del siguiente tema.

±0 Es un poderoso tema a base de guitarra y distorsión que recuerda a sus raíces punk y alternativas dado que sin inclinarse definitivamente por alguno u otro género definitivamente (acidman nunca lo hizo) podemos escuchar sus influencias. A nivel estructura, el disco va tomando una forma que es característica en acidman, la energía se apodera de las primeas composiciones al igual que sucediera con stromatolite, 2do corte de Life, su disco anterior.

CARVE WITH THE SENSE es el tercer corte de a beautiful greed, otro tema poderoso y lleno de electricidad que continua rítmica y sonoramente lo que ya insinuaba en ±0, con la energía que caracteriza a esta banda. Cabe recordar que carve with the sense fue el segundo single que precedió a este álbum. Dicho single fue editado en febrero del 2009. Es un muy buen tema con poder, con guitarras que se entrelazan, con un sonido muy consistente.

Who are you? Se pregunta acidman en el cuarto corte de este álbum que hasta el momento sorprende por su sonido tan dinámico y su energía a diferencia de lo, por lo general, relajadas que venían siendo sus composiciones. Se entiende desde este lugar que acidman, luego de varios trabajos quizás un poco más ligeros hace un intento (con éxito desde mi punto de vista) de retorno a sus raices rockeras pero de manera mas evolucionada. Who are you? es un excelente ejemplo de esto, con un también característico corte o descanso rítmico, de esos muy buenos que hace acidman, para retornar con poder hacia el final del tema. Párrafo aparte para el bajista Masatoshi Sato que en este tema particularmente rompe todos los estándares de lo que podemos llamar un buen bajista para llevarlo a un nuevo y más alto nivel. Un gran tema de acidman, seguramente se recordará por un buen tiempo entre los fans.

Under the rain es el siguiente tema y que fuera lanzado como último single, el 3ro previo a este álbum allá por mayo del 2009. Un tema que comienza despacio en su composición pero que toma poder con el correr de los segundos. Se oye un muy inspirado Ooki Nobuo (vocalista de esta gran banda), sus letras siguen tan comprometidas como siempre con lo social y el medio ambiente. Este tema particularmente muestra muchos matices rítmicos e instrumentales, una gran obra de acidman, con quiebres, con efímeros momentos de quietud, con un descanso y con power al final nuevamente, todo suena compacto, concreto, casi perfecto, además de haber compuesto un gran tema es evidente que la banda le dedicó atención a cada pequeño detalle, en resultado tenemos un sonido que por poderoso no deja de ser cuidado y que, al ser el último single antes de la salida del álbum deja a su público en un escenario de mucha expectativa de cara a la salida del álbum. Excelente trabajo aquí también.

Fantasia camina detrás de under the rain casi pidiendo permiso, en puntas de pie. Promedia el álbum y acidman se toma un respiro, le da más transparencia a su sonido con momentos de muchos matices, tienen un poco más de preponderancia un incipiente coro; predomina de cierta forma el piano pero no alcanza a ser una balada aunque tampoco es rock, es ese sonido característico de esta banda que a veces estaría más cercano a la fusión de distintos sonidos lo cual convierte el tema en un tema rico en variantes y que nos acerca a la música más alternativa. Acidman eligió a este tema para realizar uno de sus video clips.

Hoshi no Hitohira sigue promediando este álbum y continúa en su progresión insinuada en Fantasia bajando un poco más los decibeles luego del arranque a pura electricidad de los primeros temas. Encontramos guitarras de sonido muy limpio y donde rítmicamente el tema se basa en el bajo de Satou. Hoshi no Hitohira se acerca quizás un poco más al funky y al fusion, un tema también con muchos matices, con variantes, una composición muy buena y muy bien lograda, otra vez descubrimos que el sonido es sólido, compacto, muy ensayado y coordinado, acidman pareciera no dejar nada librado al azar pero sin embargo suena descontracturado, sin ataduras. Otro buen tema.

HUM es un tema que comienza lentamente, con sonidos evocadores y oscuros pero tranquilos. Eventualmente su sonido va ganando en fuerza, las guitarras se hacen más fuertes pero manteniendo la base rítmica de fondo del comienzo, la voz de Ooki se hace cada vez más fuerte y las distorsiones van conquistando terreno. Un raro cambio tiene el tema cuando pasa la mitad de su duración pero siempre está presente el sonido escalonado y constante de fondo, como una historia que se repite, como caminar en círculos. Esto no significa que el tema sea monótono, sería un error caer en esta confusión, puede ser cualquier cosa menos eso, es, para mi, un gran tema y todo un destello de creatividad de sus ejecutores, al final solo se oye la voz de Ooki acompañado por su guitarra acústica, un fin muy bien pensado, como haber encontrado el final luego de una ardua tarea o como la exhalación final de la resignación. Un excelente tema de acidman, sin duda alguna.

ucess (inst.) es una pintura en sí misma. El único tema instrumental de acidman en este álbum, algo que cambió respecto de sus trabajos antecesores dado que esta es una banda que nunca saca menos de 3 temas instrumentales en cada disco. De todas formas vale por 3 porque es un instrumental muy bueno, de un dinamismo que no deja que el tema aburra nunca, el cual siempre es el peligro de los instrumentales. Cambios de bases, cambios rítmicos, todo encaja a la perfección, un sonido muy depurado y una composición excelente dado que si escucháramos cada instrumento por separado pareciera que estuvieran tocando temas distintos, sin embargo todos juntos suenan a la perfección, como armar un rompecabezas. Entretenido e introspectivo a la vez, algo que pocas bandas como acidman logran.

Bright & Right es un tema donde este grupo vuelve a la base funky, al estilo de hoshi no hitohira donde el bajo es nuevamente gran protagonista, un tema que se me antoja muy bueno desde la mezcla, otra vez tenemos un tema lleno de matices y aunque el bajo sea protagonista no se puede decir que algo sobresalga de lo demás, no es como escuchar un tema, por ejemplo, de rock común, con un gran solo de guitarra al medio donde lo demás parece acompañar. No es el mejor corte del álbum ni pasará a la historia pero hace su aporte.

I stand free fue el primer single que precedió a este álbum. Fue lanzado ya un lejano noviembre del 2008 y es quizás una de las canciones insignia de este álbum donde si se acerca un poco más a la balada. Un tema que quizás ya obligado en cada trabajo de acidman con una base rítmica de parte del bajo realmente excepcional y donde el trabajo vocal de Ooki se ve mejorado también respecto de otros tiempos. Se ha calificado a este tema de predecible y hasta de aburrido pero creo que hy que conocer la naturaleza musical de esta banda para expedir semejantes calificativos. Personalmente prefiero los temas más cargados eléctricamente de este grupo, prefiero sus raíces post punk y alternativas, rockeras, pero no debemos dejar de reconocer un tema con buenos arreglos orquestales y de cuerdas, de buena composición como I stand free. Cuenta con un video muy bueno, se los recomiendo si no lo vieron. Un tema, emocional, con su cuota de sonido alternativo y fusion de siempre.

Por último tenemos a OVER cerrando a beautiful greed. Un tema que tiene un acompañamiento interesante de cuerdas, con partes de corte y de crecimiento a nivel sonoro, una forma de cerrar, quizás, de manera positiva el álbum, pero personalmente no creo que agregue nada a lo que ya se había escuchado, quizás el tema anterior hubiera sido bueno para el cierre pero este tema bonus (que no es bonus en el sentido de la palabra) tampoco desarregla nada.

Un muy buen álbum de ACIDMAN, espero que lo escuchen.

Link: A beautiful greed

Otros albumes de ACIDMAN

(2002) SOU

(2003) LOOP

(2004) equal

(2005) And World

(2oo7) Green Chord

(2008) Life (subido por Kyuzo para Busters)

school food punishment, post-rock + electrónica

 

school food punishment se formó en Tokyo en Octubre del 2004. Dos meses más tarde, en Diciembre, la banda ya estaba realizando su primer presentación en el Shimo-Kitazawa LOFT de Tokyo.

Después de lanzar bajo la label indie July Records su primer mini álbum llamado ‘school food is good food‘ en abril del 2007 se fueron a recorrer Japón en un Tour que abarcaba prácticamente todo el país, Tour al que le siguió su primer ‘one-band concert’, es decir un concierto donde no participan con nadie más y del que no son soporte de nadie, se podría decir que es aquel donde ellos son la principal atracción y que se realizó en el Shinjuku Motion de Tokyo en Septiembre. Su segundo mini álbum ‘air feel, color swim‘ también bajo July Records, se lanzó en Noviembre del mismo período.

Cover de 'school food is good food'

Posteriormente school food punishment realiza su segundo Tour nacional que duraría desde enero hasta marzo del 2008 culminando con su segundo one-band concert, un concierto exclusivo realizado en el Shinjuku MARZ de Tokyo.

Su siguiente mini álbum, Riff Rain, esta vez bajo FINEMAN ARMY ROCKS, otra label indie, hizo su aparición el 10 de Diciembre de 2008 agotándose en una semana y recibiendo excelentes críticas como sus trabajos anteriores, los cuales son similares pero distintos a la vez, ya que mantiene un estilo, pero este estilo es inclasificable, por lo que tiene la cualidad de estar siempre reinventándose.

Cover de Riff-rain

Todo esto, aparentemente terminó de convencer o de llamar la atención de la gigante SONY que los firmó como banda major haciéndose con los derechos discográficos y de distribución de school food punishment hace poco tiempo.

Esta excelente banda está formada por Yumi Uchimura [bonita, ella] en voz y guitarra, Masayuki Hasuo en teclados, Hideaki Yamasaki en bajo y coros y Osamu Hidai en batería.

Lo curioso de su nombre se debe a que, según palabras de la vocalista, Yumi Uchimura, cuando comenzaron por primera vez a pensar en un nombre para la banda, uno de ellos estaba usando una remera o camiseta con la leyenda ‘school food is good food’ y de alguna manera pensó que la frase ‘school food’ sonaba bien y quiso ponerle una palabra impredecible siguiendo a ‘school food’, algo que al principio pareciera no tener sentido pero sonara divertido y no tuviera ninguna conexión con la frase precedente, algo incompatible, así que le agregaron ‘punishment’ al final de ‘school food’ dado que la expresión describe un poco su música, la cual no tiene género porque incorpora varios estilos y elementos, algo con lo que estoy de acuerdo. Según los propios músicos, todos los integrantes tienen diferentes raíces musicales, así que tomaron todos los elementos que los influencian y tratan de exprimirlos en sus composiciones, esa es su primera prioridad, mezclan diferentes cosas y tratan de llegar a la mayor cantidad de gente posible, utilizando su sensibilidad y creando un buen balance entre esas influencias. Además, dicen valorar el color y la atmósfera en su música, algo que es totalmente cierto, basta con ver sus videos para reafirmar esta convicción donde trasladan esta tendencia, siempre se aprecian colores muy vivos, mucho dinamismo y finas lineas artísticas como influencia, algo que refleja también su música. Los videos son muy buenos.

school food punishment

 

school food punishment han sido considerados únicos por el uso de teclados, pero según Masayuki Hasuo, su tecladista, cuando empezaron esta banda, ya habían muchas otras bandas, exitosas, que utilizaban teclados, sin embargo muchas de ellas los utilizaban para crear una atmósfera o acompañamiento. Ellos lo utilizan más como un instrumento predominante, como muchas veces son las guitarras en otras bandas, dándole un papel preponderante al sonido que puede aportar el teclado.

Realmente la textura de la música de school food es espectacular y el teclado tiene mucho que ver además de la atmósfera que ellos pretenden crear. Es impresionante lo que esos cuatro instrumentos pueden hacer cuando suenan juntos en las manos de estos artistas, las canciones tienen varias dimensiones, un sonido innovador, mezclas impensadas pero no por ello incoherentes, sorprendentemente todo suena bien, acomodado, con cambios de ritmo y como decimos, con una textura de sonido muy particular y original agregado a la buena voz de la vocalista, Yumi que con su guitarra es mera acompañante dado que, aunque suene raro, la guitarra no tiene preponderancia. Cabe aclarar que ella también es quién además escribe todas las letras.

school food punishment es una banda de vida muy agitada, remarquemos que hace presentaciones en vivo muy seguido, se le debe agregar la participación en el álbum tributo a JUDY AND MARY por su 15 aniversario, además del lanzamiento en mayo de este año 2009 de su primer single major Futuristic Imagination que salió por partida doble, CD+DVD por el módico precio de unos 15 dólares. Cabe destacar que la canción ‘futuristic imagination’ formó parte del OST de ‘Eden of the east’ una producción del prestigioso estudio Production IG. En este OST también está encontramos un tema de la enorme banda británica OASIS que participa con su espectacular Falling Down, corte de su último trabajo (y definitivo?) Dig Out Your Soul.

Volviendo a school food, para el mes de julio salió al mercado su 2do single major, butterfly swimmer y para octubre su 3er single major sea-through communication, como vemos, todo el material salió con muy poco tiempo de diferencia, quizás efecto de la imparable creatividad de este grupo.

Previo a la salida del butterfly swimmer la banda se presentó en la Japan Expo 2009 en París, Francia, cumpliendo un sueño de la vocalista Yumi de conocer Europa (otros miembros manifestaron sus ganas de presentarse en EEUU) dado que ella se interesa mucho por los idiomas y las culturas foráneas.

Yumi Uchimura, presentación de 'school food punishment' en París (julio 2009)

Discografía

Indie

- school food is good food (Download)
- air feel, color swim (Download)
- Riff-rain (Download)

Major

- futuristic imagination (single) (Download)
- butterfly swimmer (single) (Download)
- sea-through communication (single) (Download)